Интервью с художником: Елена Базанова

Елена Базанова, художник акварелист, иллюстратор, рассказала о себе, ответила на наши вопросы о творчестве и дала советы начинающим художникам.

Елена, расскажите немного о себе. В каком возрасте у Вас проявился художественный талант? Как это произошло?

Увлеченность рисованием проявилась у меня в раннем возрасте, если судить по воспоминаниям мамы о том, как лет с трех я активно тратила бумагу на свои каракули. Когда мне исполнилось пять лет, она стала водить меня в изостудию, в восемь лет я поступила в ДХШ (Детскую художественную школу). Можно сказать, что с этого началось мое художественное образование.

Вы получили серьезное художественное образование, закончив Среднюю художественную школу им. Б.В. Иогансона и Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина при Академии художеств. Как вы считаете, необходимо ли профессиональное художественное образование для того, чтобы добиться больших результатов?

Вероятность того, что без специального образования можно добиться каких-либо значимых результатов, близка к нулю. Самородок, пусть даже самый уникальный алмаз, становится бриллиантом только после правильной огранки. В процессе самореализации талантливый человек проходит этапы самообучения и самосовершенствования. И чем большими профессиональными навыками и знаниями будет владеть художник, тем свободнее он будет в творчестве. Мы же не сомневаемся в том, что без занятий сольфеджио, постановки руки и многолетнего труда музыкант не сможет прочитать ноты и виртуозно исполнить музыкальное произведение. И понятно, что владеющий абсолютным слухом человек - это еще не композитор. Даже слышать музыку и видеть художественные произведения надо учиться, не говоря уже о том, чтобы уметь создавать и творить.

Расскажите, пожалуйста, какими, по Вашему мнению, чертами характера должен обладать настоящий художник-акварелист?

Вероятно под словом «настоящий» Вы подразумеваете «мастер-виртуоз»? Акварель действительно чрезвычайно чувствительна к энергетике и характеру художника. И поэтому она так же разнообразна, как почерки людей. Если мы говорим о мастере, блестяще владеющем материалом, чувствующем подвижную стихию воды и краски, умеющем добиться поставленной задачи в живописи, то можем представить себе человека уверенного в себе, энергичного, предприимчивого, смелого, готового на риск.

Какие художники Вам нравятся, у которых Вы хотели бы что-либо перенять, к уровню мастерства которых стремитесь?

Творчество многих зарубежных и российских художников разных эпох мне интересно, их техника и мастерство вызывали и вызывают мое любопытство, уважение, восхищение. В этом списке есть самые разные художники: Альбрехт Дюррер, Карл Брюллов, Эндрю Уайет, Александр Самохвалов и другие. Но кумиров у меня не было и нет. Убеждена, что рисовать и писать «как кто-то» не имеет никакого смысла. Это равнозначно отказу от собственного Я , от собственной памяти, чувств и мыслей.

Можно исследовать технический прием какого-либо автора, попробовать что-то использовать из его опыта в своей работе. Но подражать и копировать возможно и даже полезно только на самом раннем этапе обучения ремеслу. Чем дальше от ученичества художник, тем самостоятельнее и выразительнее его авторская манера, тем совершеннее его мастерство. Думаю, каждому автору важно стремиться в полной мере раскрыть свои технические возможности, достичь максимального уровня мастерства.

Причем «уровень» в данном случае никак не равнозначен спортивному понятию («Быстрее, выше, сильнее!»). В искусстве важно «качество», которое отражает не просто уровень талантливости и академические навыки рисования, относительно сравниваемые на этапе учебы. В зрелом творчестве школьные критерии оценок умений и навыков остаются важными, уровень ремесла необходимо поддерживать постоянно, но главными становятся идея, содержание, уникальность творимого искусства. А в этой области критерии «уровня» уже не работают, творчество часто идет «не по правилам».

Повторюсь: ценность художника в его уникальности. Для меня важно писать так, как я это не только умею, но и чувствую. Это не исключает того, что мне может нравиться, как кто-то делает это совсем по-другому.

Где черпаете вдохновение? Что любите делать помимо рисования и как отдыхаете?

Ощущение радости жизни - это главный источник вдохновения, то, без чего я не могу творить. Это ощущение дают мне моя семья и природа.

Помимо рисования есть рисование. От него я не устаю. Отдыхать я могу от бытовой суеты, работы, связанной с организацией выставок, и тому подобного. Лучше всего мне отдыхается в псковской деревне, на даче. Лес, баня, река - самые лучшие лекарства и источники восстановления сил. Творчество же само по себе - это неотъемлемая составляющая моего существования. Даже когда нет карандаша или кисточки в руке, в голове идет работа. Причем чем меньше я загружена какими-то обязанностями, тем больше я занята мыслями, связанными с творческим процессом.

Что для Вас важно во время работы, а на что не обращаете внимания?

Во время работы для меня важно сосредоточиться и погрузиться в творческий процесс. Поэтому важно, чтобы ничто не отвлекало меня. Но если такое случается, то приходится мысленно правильно настраивать себя, чтобы сосредоточиться только на работе.

Какими материалами любите работать? Возможно, есть любимые марки производителей.

Люблю работать качественными материалами от известных производителей с мануфактурными традициями.

Предпочитаю бумагу ручного литья из 100% хлопка, освобожденную от кислоты, плотностью не ниже 300 г/м 2 . Фактуры использую разные, в зависимости от поставленной задачи. Нравится писать на бумаге «Saunders Waterford» CP (холодное прессование, средняя грубость фактуры), на листовом и рулонном торшоне (Torchon или Rough - грубая фактура литья) фирмы «Arches» и на Satine (HP - горячее прессование) этой же фирмы.

В моей палитре в основном отечественные краски фирмы (СПб.), английские серии «Artist"s» и серии «Artist"s».

Кисти предпочитаю беличьи, разных размеров круглые и плоские. Отечественные кисти фирмы вполне устраивают меня своими рабочими качествами.

Бывают ли у Вас творческие кризисы? Как Вы с ними справляетесь?

Глобального разочарования и потери смысла работы, к счастью, я не испытывала. Верю в свое призвание и чувствую ответственность за талант, данный мне. К результату своего труда отношусь критично, поэтому могу здраво оценить его. Правильная оценка успехов и недостатков в своей работе - двигатель на пути к совершенству. Не испытываю страха перед своими творениями и перед началом работы. После большого напряжения, после выполнения сложной задачи бывает ощущение опустошения на физическом уровне. Тогда требуется пауза в работе, отдых. В этот период надо зарядиться энергией, вспомнить о себе как человеке и сделать что-то приятное… Тяжелее, но и гораздо реже, происходят переходы на новый этап творчества. Обычно это связано с началом и завершением каких-то программных творческих циклов. Это сложный момент, но кризисом его не назову. Просто работаю, думаю, анализирую.

Вы уже не первый год сотрудничаете с издательствами Санкт-Петербурга, иллюстрируете издания для детей такие как «Алиса в стране чудес» и и «Приключения Бибигона». Иллюстрация - это просто работа для Вас или нечто большее?

С первых студенческих работ в книжной графике относилась к искусству книги со священным трепетом. Для меня книга - живой организм, в котором ценность имеет каждый элемент оформления. Поэтому выражение «иллюстрирование издания» мне кажется недостаточным для определения работы художника. Это отношение к создаваемой мной книге я сумела сохранить даже в непростые для книгоиздания годы, именно тогда удалось сделать «Приключения Бибигона» как цельное издание.
«Алиса» стала особым этапом в моей жизни и творчестве. С ней я прожила два года, и можно сказать, что после нее у меня появилось новое видение и новое качество моей работы в целом. Кстати, после «Алисы» мне много раз предлагали иллюстрировать детские книги, но пока я не согласилась ни на одно предложение. Отчасти это связано с тем, что сейчас я занята «акварельной программой», отчасти причина в том, что я пока не чувствую, какую книгу готова делать. Так что все серьезно, книга - это нечто большее для меня, чем просто работа.

Расскажите о своей книге «Секреты живописи акварелью». Для кого предназначена эта книга, кому будет полезна? Планируете ли Вы выпуск новых книг?

Моя книга будет посвящена технологическим вопросам акварельной живописи. Стараюсь писать текст так, чтобы он был интересен самой разной аудитории. Книга задумана как увлекательный рассказ-исследование о сложных особенностях акварели. Информации и иллюстраций в ней будет много, но на энциклопедию, учебник или другое ученое издание я не претендую.

Редактура текста книги «Секреты живописи акварелью» пока не завершена, еще предстоит много издательской работы, так что планировать новые книги сейчас не могу. Хотя, как говорится, «аппетит приходит во время еды». Идеи появляются…

Ваши работы получили широкое признание не только в России, но и за рубежом, Вы являетесь обладателем большого количества престижных наград. Какую из своих работ Вы считаете удачнее остальных? Каково отношение к своим работам?

Я уже говорила о критичном отношении к своим работам. Однако все-таки есть акварели, которые считаю удачными, потому что мне ничего не хочется в них менять. Выделить какую-то одну сложно. Сравнивать можно аналогичные по своим задачам или темам работы. Например, я много раз писала пионы. В этом ряду есть два разных по задачам и решениям букета, которые считаю наиболее удачными на сегодняшний день. Но в замыслах есть написать новые темы с пионами, которые, возможно, окажутся интереснее прежних.

Какие Ваши дальнейшие творческие планы?

Художники неохотно делятся своими творческими планами. Легче и увереннее можно говорить о том, что уже состоялось.

В моих планах: много работать, продолжать начатое и всегда искать новое. А результаты моего труда зритель всегда сможет увидеть на выставках.

Ждем ваших советов нашим читателям, в первую очередь тем, кто находится в самом начале своего творческого пути?

Тем, кто стоит в самом начале своего пути, я могу посоветовать не лениться.

Надо помнить, что только количество труда может перерасти в качество.

Надо тренировать руку, глаз, и только регулярное и системное обучение рисунку поможет достичь результата. Уверенное рисование формы и пространства даст широкие возможности в живописи. Помните, что живопись - вторична, первичен - рисунок, он является основой основ в изобразительном искусстве.

В работе акварелью на начальном этапе ставьте простые и понятные задачи, идите всегда от простого к сложному. Старайтесь средствами материала передавать форму, тональность и тепло-холодность в отношениях, работайте в целом над композицией. При этом не зацикливайтесь на «шедевральности» происходящего на листе. Не бойтесь испортить свою работу. Всегда надо исследовать процесс и вести работу к логическому завершению. И неважно на этом этапе, как получается живопись, «сухо» или «мокро», «аля-прима» или «многослойно». Главное - грамотно решать учебные задачи. Неудачный результат надо правильно оценивать и стараться в следующей работе не делать знакомых ошибок. Свои удачи в живописи также надо уметь видеть и стараться закреплять полученный результат в новых работах. Тогда постепенно придет чувство техники. На отдельных листах изучайте смешения красок и экспериментируйте с акварельными манерами, эффектами. Слушателям на мастер-классах всегда рекомендую не бояться «замучить» свою работу. Испортив один лист в живописи, но разобравшись с непонятной формой и цветом, пробуйте повторно решить задачу на новом листе, стремясь улучшить качество исполнения.

Постепенно вы научитесь мыслить формой, пространством, цветом, мазками, затеками, лессировками и так далее. И научитесь представлять мысленно весь ход выполнения вашей работы до ее начала.

Никогда не начинайте работу со слов «я не знаю» и «я боюсь». Забудьте о себе и своем страхе, когда пишете, думайте только о том, что делаете, о том, что видите, просто работайте над поставленной задачей. «Дорогу осилит идущий».

Картины Елены Базановой:

1. Яблоки. Яблочная радость. 78х60 см, бумага акварель, 2013
2. Ком Времени. 70х95,5 см, бумага, акварель, 2009
3. Калина. 56x69 см, бумага, аварель, 2013
4. Безумное чаепитие. 65х94 см, бумага, акварель, 2014
5. Пионы. 71х95 см, бумага, акварель, 2008
6. Пионы. 56х74 см, бумага, акварель, 2011
7. Натюрморт с тыквами и айвой. 52х74 см, бумага, акварель, 2009

Группа Елены Базановой Вконтакте:

“А вам то это зачем?” – удивилась одна из участниц мастер-класса Сергея Курбатова, увидев меня на нем. “Учиться!” Немой вопрос в глазах… Мол, зачем художнику учиться у мастера акварели?

Художник учится всю жизнь. У природы, у коллег и даже у учеников.
А уж если есть возможность перенять что-то у мастера, которым восхищаешься, так это вообще большая удача…

Из личного опыта:

Мне повезло. Собравшись в Москву на мастер-класс одного художника, я попала еще на один – к Елене Базановой. Собственную удачу я в полной мере оценила в процессе…

Если вам интересно узнать секреты техники двух мастеров акварели,
Елены Базановой (Санкт-Петербург) и Сергея Курбатова (Новосибирск), читайте дальше.

Мастера акварели: опыт Елены Базановой и Сергея Курбатова

Оба этих художника, на мой взгляд, очень романтичные натуры. Их взгляд на мир такой открытый, поэтичный, в самых простых вещах и сюжетах они находят что-то для любования.

Смотришь, и в тебе просыпаются какие-то воспоминания, оживают чувства, хочется созерцать и любоваться вместе с ними…

С.Курбатов “Ода сохнущему белью”

Е.Базанова. “Натюрморт с жуком”

И вот на этом сходство художников заканчивается, начинаются противоположности. Техник, подходов, отношения к краскам.

Мне подумалось, что людям без большого опыта, приходящим на мастер-классы разных художников, должно быть очень сложно.

Выслушивая разные версии, что можно, что нельзя, им в пору сойти с ума. Можно либо примкнуть к вере одного художника и осуждать действия остальных, либо как-то принять, что правы все.

Действительно, правы. Что хорошо для одного художника, может быть губительным для другого. Поэтому я бы порекомендовала выслушать разные стороны и найти то, что работает для вас.

Как найти, спросите вы? Тестировать!

Выкрасы краски “Невской палитры” на разных сортах бумаги от Елены Базановой

Тестирование, исследование, эксперимент – похоже, любимое занятие Елены Базановой.

Она провела большую работу, исследуя поведение разных пигментов в акварели. Нашла обоснование тем или иным “нельзя”. Нельзя черный? Почему? Нельзя смешивать больше трех цветов? Почему?

“У акварели есть два врага: страх и стереотипы.” Елена Базанова

Первые три часа мастер-класса Елены были лекцией по поводу поведения красочных пигментов в акварели. Некоторые из стереотипов Елена и постаралась разрушить своим изысканием.

Она объяснила на примере, какие краски дают грязь, какие пигменты слишком тяжелы и непрозрачны, что происходит при хранении акварели, действительно ли ей вреден свет.

Педантичность Елены Базановой объясняется просто – в ее технике работы поведение пигментов краски имеет очень важное значение.

В этом я с удивлением убедилась, когда написала по ее технологии яблоки, а после высыхания увидела, что некий “невкусный” непрозрачный слой как-будто так и осел на поверхности бумаги, уничтожая акварельность. Пиши я все это теми же красками в своей манере, такого эффекта не было бы.

Тестирование акварели:

Например, Елена наглядно показала, что самая “неакварельная” краска в акварели – окись хрома.

А вот у Сергея Курбатова эта краска – одна из любимых. Он очень активно использует ее в написании зелени. И это, нужно признать, его живопись совсем не портит.

С. Курбатов “На работу”

Какие еще “табу” есть у обоих, какие предпочтения?

Елена пишет очень тонкие по цвету натюрморты. Причем огромные по размеру, 60х80, а то и больше. Чтобы покрыть такие пространства красивой заливкой, нужно сохранять ровность бумаги и влажность.

Отсюда сформировался ее метод рисования – бумага смачивается снизу и оставляется сухой сверху. Бумага хлопковая, лежит поверх мокрой марли, что позволяет долго сохранять ее влажность и натянутость на планшете.

В результате, когда для заливки поверхность увлажняется еще и сверху, она не деформируется. Нет “волны”, бугров, краска растекается легко и ровно.

Способ укладки акварельного листа на марлю и оргстекло

Курбатов этот способ не использует. Его работы тоже построены на крупных пятнах заливок, но он увлажняет бумагу только сверху. большой практический опыт позволяет ему с легкостью сделать красивые перетекания краски.

С. Курбатов “Удачный кадр”

Вот здесь я испытала заметную сложность, пытаясь повторить за Сергеем трюк с заливкой.

Если воды мало – ничего не получится. Опыта больших форматов у меня нет, мой максимум – А3, потребности тренировать такие большие площади заливок не было.

И в результате было сложно сохранять нужную влажность бумаги. Ох, как бы здесь пригодился трюк Елены!

Но… Сергей ведь пишет на пленэре. Пейзажи, а не натюрморты. О какой марле речь? Успеть бы за ускользающей натурой!

Черный цвет. Сергей не использует. Заменяет серой пейной или индиго. Индиго обожает (и я его понимаю). Елена черный использует. Но не нейтрально-черный из коробки. Рекомендует серую пейну, воронежскую черную, а больше всего – Lamp Black фирмы Daler-Rowney.

Больше полезной информации:

Белила. Сергей, как и я, использует малую толику гуашевых белил для бликов и тонких белых элементов, типа мачт на яхтах. Еще иногда смешивает белила с другими цветами, чтобы написать яркие элементы поверх темных. Например, голубую надпись на черной вывеске.

Елена использует белила из акварельного набора. Тоже дозированно, но вполне может, например, написать ими часть лепестка розового тюльпана. Говорит, что это придает цвету необыкновенную нежность и цветность.

Коричневый. Базанова крайне не рекомендует делать замесы с коричневыми, потому что это дает грязь. Курбатов коричневый очень любит. Часто пишет зелень, смешивая окись хрома, индиго и коричневый.

Кисти. Оба предпочитают работать беличьими кистями. Из особенных: у Елены есть обрезанные щетинные кисти для размывок, Сергей любит кисти с тонким кончиком или линеарные – его работы отличает динамичная свободная линия.

Больше полезной информации:

Палитра. Оба смешивали краску на крышке он большого набора питерских красок.

Я в шоке. Мне палитры а3 формата не хватает для замесов. Впрочем, здесь сразу понятно, что оба художника используют ограниченную цветовую гамму, без многообразия оттенков.

(До сих пор не понимаю, как Елене Базановой удалось написать лимон двумя оттенками… Даже без рефлекса. А он суперреалистичный!)

Это еще раз дает понять, что живопись – это условность. А акварель – условность живописи.

"Как это возможно?!" – вот первый вопрос, который возникает, когда видишь акварели Елены Базановой. Здесь нежные цветы, хрупкие стрекозы, живые фрукты и рядом же – льющиеся драпировки, осязаемость дерева, бумаги, морских раковин. Акварель Базановой – это целый волшебный мир!

В волшебном мире Елены Базановой: подход к работе в акварельной живописи

Один из первых вопросов, задаваемых художникам, – это вопрос о том, какую бумагу они используют для своих работ.
– Я использую гладкую акварельную бумагу ARCHES SATIN либо TORCHON. Для некоторых случаев неплохо подходит HAHNEMUHLE, она приятная, стабильная в работе. Иногда использую LANA, у неё есть свои интересные свойства. Конечно же, все бумаги по своим свойствам разные.
– На чём я училась писать? Я писала на чертёжной бумаге, потому что в моём детстве хорошей бумаги не было. Может быть, какие-то этюды удавалось писать на Торшоне, но это были маленькие форматы, больших не было, художникам их доставали. Поэтому если удавалось получить большой лист немецкого Торшона, – на нём же только шедевры писать, он же такой капризный! Это же стресс. А с чертёжкой мы по-братски поступали, мы её терли, чуть ли не до дыр, и вообще не боялись этого.
– Лучший пример сказанному – это то, как я экспериментировала недавно с внучкой. Во-первых, я начала приучать ее к влажной акварели с одного месяца, и к полутора годам она уже знала весь технологический процесс! Она знала, зачем нужно бумагу увлажнить, знала, как помыть кисть и для чего нужен пульверизатор. Набрать краску на кисть, помыть и прочее. Я её приучила писать по мокрому, большими кистями. Мне так приятно было, когда у неё краска красиво растеклась, и у неё аж вырвался возглас удовольствия. А когда я дала ей чертёжку, она сразу сказала что это - «не то». Мазать краской можно, а вот для работы акварелью – никакого удовольствия.
Очень важно, все-таки, использовать хорошие материалы, и здесь я хочу отметить «Передвижник». Потому что профессиональные материалы – это совершенно другое качество работы.

Вот одна из моих ранних работ – натюрморт с грибами:

Характер письма здесь мягкий, рисунок написан на Moulin Du Roy.

Вот один из примеров поиска новых тем:

После этой работы я себя по-другому стала воспринимать, бывают такие этапы у художников, которые выводят на новый уровень.

Вот работа, о которой американцы сказали, что полиэтиленовый пакет в акварели - это моё ноу-хау:

Вообще, передача материальности – это самое сложное в акварели. Поэтому так ценится, когда фактура даётся не растром, не одним мазком, а решается по-разному. В этом и сложность – управлять стихией материала для передачи каких-то особенностей материального мира.

Эта работа тоже оказалось знаковой, тоже получила приз:

Мастер-классы и написание книги.
– Когда я начала проводить семинары по акварели, это стало для меня важным этапом. Я поняла, что я что-то делаю и это «что-то» для меня является обычным, рабочим явлением. А для зрителя, который не так искушён – это всегда большие эмоции. И я стала думать, что ж такого особенного я показываю? И с этого момента начался процесс рождения моей книги по технике акварели.

Это работа, где используется эффект «вытеснения краски», на мастер-классах я это показываю, но в принципе, есть ролики в интернете, где всё это можно увидеть. Работа выполнена в студийных условиях, так как с влажностью на большом листе на пленэре управляться очень тяжело.
– Это работа большого формата. Всегда все большие работы я начинаю писать одним и тем же способом: я размачиваю лист полностью, с двух сторон, укладываю на марлю. Но вот на этой работе, к сожалению, есть стык. Потому что такого огромного полотна не бывает. Под этот размер бумаги я специально заказала органическое стекло, и под него еще кладу жесткий планшет. Потому что стекло тоже плавает, оно прогибается при таком размере под своей же тяжестью. Поэтому сначала либо это стол, либо планшет, затем органическое стекло, марля, лист. Таким образом, удаётся писать большие размеры.
Можно контролировать влажность самого большого листа, если он сырой снизу. Сверху бумага может быть и сухой, и мокрой – в этом случае она медленнее сохнет, и если кто привык к скоростной живописи, то ситуация с влажным листом будет уже избыточной. Но с другой стороны, это единственный способ, в принципе, справится с акварелью, с потоком воды. По-другому ничего не сделаете, особенно если хотите мощно и сочно писать, насыщенным тоном, в один приём, и в то же время сохранить еще и рисунок. По-другому не бывает.
– Вы можете посмотреть в интернете видео с выставки «Мастера акварели». Там мы с ребятами писали в четыре руки. Четыре автора работали над форматом метр на два семьдесят. Так что в принципе всё возможно, но конечно нужна определённая скорость, пишется не всё сразу. Одновременно везде писать невозможно, художник держит всё в уме и знает, что он делает в каждом куске. Заранее программировать и контролировать ситуацию – в этом заключается самая большая сложность. Просто это всё проходит через собственный опыт, через собственное понимание. Каждый мазок в этом случае начинает создавать своё пространство, формирует свой объём. Мастерство заключается в том, чтобы все эти случайности превратить в программу.

Эта одна из самых удачных моих работ, с фактурой дерева, с яблоками и с подсолнухами:

Не знаю, откуда мне пришла такая идея в голову – опять поставить корягу, это был уже третий портрет этой можжевеловой коряги!

И еще я специально купила рыбку, причём мне её даже продавать не хотели. Я попросила её хоть на три дня, под мою ответственность, и мне показали, как промывать эту рыбку, чтобы она жила. Так что позировала реальная рыбка.

Вот процесс создания этой работы:

Тогда у меня родилась идея отразить в тексте и в фотографиях, как пишется работа, шаг за шагом. И я постепенно начала копить материал, то есть старт идеи создания книги – 2005 год. Сначала думала, что это будет просто набор статей про разные работы. Потом появились боковые сноски, советы. Потом советы я объединила в небольшие статьи, материал стал расширяться, и я написала десятистраничный труд для Академии художеств. Этот труд в 2010 году был опубликован в сборнике по технике Академии художеств. На каком-то этапе я думала, что дальше статей не уйду. А сейчас, тот раздел, который был посвящён истории материала, в моей книге разросся до семидесяти страниц чистого текста, и каждый раз у меня появляется еще какая то новая идея: «О, вот об этом не сказала!». Книга называется «Секреты акварели». Для меня сверхзадача – это издать книгу осенью-зимой, к выставке «Мастера акварели», которая пройдет в феврале 2018 года. На сайте artlib.ru я размещаю оригиналы, а дальше их распространили по всему интернету, коллеги считают, что там лучшие статьи по акварели на сегодняшний день.

С другой стороны, лимоны, яблоки и груши – ну что с ними сделаешь? Голландцы всё уже нарисовали, всё, что хотели. С одной стороны, я иногда делаю такие реплики, в сторону истории, с другой стороны перерабатываю и делаю по-своему. И материал совершенно иной, акварель.

Но я считаю, что тему можно развивать. Я вот один раз написала, а потом мне пришла в голову новая идея, как сделать по-другому. Я снова могу сделать постановку на эту же тему с развитием сюжета дальше. Каждый раз новое настроение, новые ощущения, и работа получается совершенно другой.
На мастер-классах меня часто спрашивают про последовательность действий, что делаем сначала? Я могу только показать, как можно делать, но важно именно самому понять, как это лучше делать. И я стараюсь в своём творчестве всегда уходить от этих правил, не вырабатывать для себя какой-то жёсткой схемы. У меня есть работа, где яблоки рассыпаны, и я каждый раз умышленно делала какое-то яблоко иначе. Конечно, визуально они всё равно получились в одном живописном ключе, но я специально не делала клише, я всегда меняла ход работы. По штампу рисовать очень легко, а вот уйти от штампа очень сложно.

Как работать с натурой:
– То, что изображено на этой картине, реально стояло у меня в мастерской, благо осенью было прохладно.

Подсолнухи того же сезона:

– Иногда бывает, что надо писать против правил. Нас учат, что нужно видеть изображение цельно, цельно вести картину на каждом этапе, чтобы картина хорошо читалась. Но бывают случаи, когда приходится идти против правил, потому что натура быстро увядает.

Живые листья смородины могли стоять только три часа, не больше. Поэтому всё делалось в первые часы, пока натура свежая.
– Можно натуру фотографировать, но невозможно писать с фотографии. Даже собирая материал к своим рассказам по технике акварели, я не раз себя ловила на мысли, что того вдохновении, которое я получаю от натуры, от фотографии я не получаю. Тем более что у нас же зрение – стерео, мы чувствуем объём. А фотоаппарат всё видит плоско, не видит разницы тонов, сближает, и вдохновиться такой картинкой я, например, так и не смогла. Вдохновение будет только в том случае, когда в памяти отпечаталась моя эмоция. Только зрительная память, академическое образование, умение анализировать форму, помнить её, осязать в материале, даёт возможность работать с самыми сложными изображениями.

– Если натура живая, она, конечно, быстро вянет, если не живая, то работу можно растянуть во времени. Живопись с натуры большого формата я доводила в студии в течение месяца. Время работы над картиной не связано с тем, что я не могу её делать быстро. Иногда, по разным причинам, сеансы бывают короткими, например, из-за долготы дня. Иногда в Петербурге вообще светло не бывает, невозможно работать. Поэтому идет доработка по впечатлениям, даже если натура уже увяла, и я могу её вести еще дня три. Но если очень сложная работа, то до недели.

Среди призёров Международного конкурса художников-акварелистов в 2014 году были два представителя России,работы которых мы сегодня посмотрим.

Елена Базанова – художник с мировым именем, работающий в технике акварели.

Родилась в 1968 в городе Сланцы Ленинградской области.
Закончила Санкт-Петербургский Академический художественный лицей им. Б.В. Иогансона и Государственную Академию живописи, скульптуры и архитектуры им И.Е.Репина (мастерскую книжной графики).
С 1989 года активно работает с издательствами Санкт-Петербурга, c 1996-го иллюстрирует издания для детей.
С 1995 года – член Союза Художников России.
С 2006 года – член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Работы находятся в галереях и частных коллекциях России, Германии, США, Франции, Англии, Швеции, Исландии, Финляндии, Нидерландов, Казахстана.

На конкурс были выставлены работы.

Зима. Яблоки.

Сейчас Елена – член Общества акварелистов Санкт-Петербурга, регулярно участвующий в сезонных выставках Союза художников, активно выставляющийся как в России, так и заграницей (в Великобритании, Германии, США, Ирландии). На ее счету семь персональных и участие в более чем пятидесяти коллективных выставках в России.

С 2006 года – член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Три яблока

Елена Базанова так рассказывает о своем творчестве.

— Почему выбрали именно акварель?

Как мне кажется, я чувствую этот материал, это позволяет мне раскрывать его особенности в очень сложных живописных задачах. Именно это напряжение в работе мне кажется привлекательным, управлять стихией воды и краски – самое захватывающее и интригующее в акварельной живописи.

Букет земляники

Натюрморт с кукурузой

В каких техниках еще работаете?

Благодаря полученному образованию, я владею самыми разными техниками. Не всеми, конечно, постоянно пользуюсь, нельзя объять необъятное, к сожалению. Люблю делать рисунки мягкими материалами, при иллюстрировании книг часто использую рисование тушью, пером и цветными карандашами.

Лилейники

Три яблока

Подсолнухи

Климатисы

— Ваш любимый жанр натюрморт? А как же пейзажи и портреты?

Да, последнее время я много работаю именно в жанре натюрморта. Также пишу портреты животных. Очень хочется сделать новую серию пейзажей и поработать с портретами людей. Так что в моих планах расширение границ жанра.

Этюд с клубникой

Натюрморт

Вы проиллюстрировали «Алису в стране чуде с». Эти работы совсем не похожи на Ваши натюрморты.

Я не отношу себя к художникам, которые постоянно навязывают свою манеру изображаемой теме, иллюстрируемой книге. Я двигаюсь по пути создания образа, исходя из сути того, что является предметом изображения или иллюстрирования. От этого появляются и разные пластические решения. Иллюстрация не должна создавать барьера для восприятия текста, особенно в детской книге.

Акварели художницы Елены Базановой. Часть 5. Как распускаются цветы...

Букет цветущих веток

Белые розы

Как распускаются цветы... Как распускаются цветы?.. Изящно, робко, незаметно, Ласкаясь с зорькою рассветной, Стряхнув сонливость темноты! Как распускаются цветы?.. Упрямо, трепетно, свободно, Подставив выси небосводной Тычинки, пестики, листы... Как распускаются цветы?.. Всей сердцевиной, откровенно, Торжественно и упоенно, Нежны, божественно чисты! Как распускаются цветы?.. Излившись влагою нектарной, Благоухают благодарно За свет, за капельки воды

И тянутся всем стебельком, Из всех силёнок к небосводу, Оправдывая цель природы В предназначении своём! Как распускаются цветы?.. Живя мгновением на свете, Взахлёб пьют небо, солнце, ветер До подведения черты... Как распускаются цветы?.. Достойно вечность продлевая, И даже после, увядая, Полны блаженной красоты! Всё в этом мире неспроста, И есть чему в нём поучиться, Но, чтобы в вечности продлиться, В душе должна быть высота! © Copyright: Нина Кечатова, 2011

Натюрморт с корзиной ромашек

Натюрмортт с ромашками

Васильки и ромашки

Васильки и ромашки

Васильки и ромашки

Букет одуванчиков

Колокольчики

Летний букетик

Незабудки

Незабудки

Незабудки

Пионы

Пионы

Пионы

Пионы

Пионы

Подснежники

Сон-трава

Тюльпаны

Этюд с ветками орхидеи

Ландыши

Розы

Розы

Розы

Букет роз

Букет чайных роз

Этюд с чайными розами

Жёлтые розы

Сирень

Черёмуха

Розы

Лилии

Начиная рассказ о технике акварели, нужно напомнить, что, собственно, значит в словарном смысле "акварель", так как ключ к пониманию кроется в самом слове.
В статье О.В. Мамонтовой в Большой Советской Энциклопедии мы читаем: "Акварель (французское aquarelle, от итальянского acquerello, от латинского aqua – вода), краски (обычно на растительном клее), разводимые водой, а также живопись этими красками."
"Вода" – первое ключевое слово, на которое необходимо обратить внимание. В более широком смысле слово "вода" означает одну из четырех стихий, существующих в природе. От стихийности и непредсказуемости воды, соединенной с красками, и от умения мастера управлять влажностью живописного пространства и происходят все возможные варианты понимания акварели и способы владения ею. Это обстоятельство и выявляет настроение, темперамент и характер мастера в его произведении.»
«…Акварелью я писала с детства, начиная с шестилетнего возраста, когда я начала ходить в изостудию. Писать акварелью не было для меня чем-то особенным, потому что делала это всегда.»

«Как мне кажется, я чувствую этот материал, это позволяет мне раскрывать его особенности в очень сложных живописных задачах. Именно это напряжение в работе мне кажется привлекательным, управлять стихией воды и краски – самое захватывающее и интригующее в акварельной живописи…»
«В своих акварельных натюрмортах, – говорит Елена Базанова, – я изображаю, казалось бы, обычные и знакомые всем предметы, и в этом есть особая сложность. Всякий раз я стремлюсь увидеть в них новый образ и создать новое пространство, в котором они находятся. Моей задачей является через изыски отточенных линий рисунка, сложных композиционных построений и акварельных приемов создать живое пространство натюрморта, в котором зритель увидит и почувствует гармонию и заново откроет для себя красоту окружающего мира».

Елена Базанова – художник с мировым именем, работающий в технике акварели.

Родилась в 1968 в городе Сланцы Ленинградской области.
Закончила Санкт-Петербургский Академический художественный лицей им. Б.В. Иогансона и Государственную Академию живописи, скульптуры и архитектуры им И.Е.Репина (мастерскую книжной графики).
С 1989 года активно работает с издательствами Санкт-Петербурга, c 1996-го иллюстрирует издания для детей.
С 1995 года – член Союза Художников России.
С 2006 года – член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Работы художника находятся в галереях и частных коллекциях в России, Германии, США, Франции, Англии, Швеции, Исландии, Финляндии, Нидерландах, Казахстане. А также в коллекции Арт-центра Кляйнзассена (Kunststation Kleinsassen, Германия), в коллекции окружного управления города Фульда (Германия), в коллекции экслибрисов Центральной городской публичной библиотеки им. В.В. Маяковского (СПб), в Самарском областном художественном музее.

Белые ирисы